How to View Paintings
Our eyes are considered organs of sight. It is better when only one organ of sense is actively engaged so that the others are muted. For instance, it is best to listen to music with your eyes closed, so that nothing distracts you visually—neither the light, nor the antics of the conductor or the solo performer. Nothing interferes with listening to music quite like noise and light. Noise interferes with viewing.
Paintings can be viewed in two formats: in the original or in reproduction. You can converse with a person face-to-face, one-on-one, or over the phone, and now via computer. The exact same applies to art: it is either direct or mediated.
In a museum, gallery, or exhibition, you see the original; whereas in a book, on television, or on a smartphone, you see only a reproduction. First of all, every reproduction is a diminished image (as if you were looking at a giant scaled down to a Lilliputian). Secondly, even the finest reproduction fails to render true color output. Through a reproduction, we merely acquire information about a work, but we cannot obtain sensory pleasure, joy, or what is known as aesthetic satisfaction. This is true, of course, if we are dealing with a genuine work of art and not a surrogate—that is, a forgery. Yet telling one from the other is a task where the devil himself would snap his leg—Heaven forbid I mention him at night—one must be, as they say, exceptionally wise.
And so, you are in a museum.
I have observed many times how people most frequently view paintings: they move from canvas to canvas, read the label, cast a brief glance at the painting, and move along. They look in passing. Thus, it truly becomes in passing. It is the equivalent of moving along the shelves of a library and merely reading the titles on the spines of the books.
It is better to view paintings sitting down rather than standing up. After all, we perform any more or less serious work while sitting, not standing. Wandering like that, in a crowd, making dashes from painting to painting on the go, while standing—is not a serious approach.
By the way, this matter is more serious than it appears at first glance. We do any more or less serious work while sitting, not standing. At concerts, at lectures, even at stadiums we sit; we eat sitting, we read sitting. So why is art treated this way? Does it not deserve greater attention and time? Everything is done on the fly and on the run; one ought to reflect on this. Perhaps that is why we are "undernourished" when it comes to aesthetic education—because we grudge the time for it?
Aesthetic pleasure is a form of our spiritual sustenance.
We humans need air to breathe; we cannot survive without it for more than three minutes. We need food; without it, we will not last a month. Yet our brains cannot do without impressions for even a single minute. We continuously receive various impressions and stimuli. We require non-stop nourishment for the mind and soul. Art is the highest quality food of all; it is spiritual energy. And here we arrive at this concept—energy.
When an artist creates their work, they invest their psychic (spiritual) energy into the canvas, and the person viewing the painting can receive this energy. But this requires a connection. Your desk lamp will not light up if you do not plug it into the socket. The entire world is structured around the creation and consumption of energies. Any energy, including psychic energy, can be directed toward creation or destruction. Therefore, art too can construct, but it can also destroy. This is a distinct and vital topic: the moral responsibility of the artist for their creations.
Now I want to speak of a great crime committed against global painting: the visual arts have been driven into a prison devoid of daylight. Daylight is the most critical condition for a painter's work. How vital it is for a studio to have daylight. All great masterpieces were created under natural (solar) lighting, back when artificial electrical light did not yet exist.
Daylight from the sun is a creative energy; all life on Earth depends on daylight. A painting is created in sunlight; light enters into the canvas, into its very core. To continue living, the painting must continue to interact with daylight; it needs light just as we need air.
Every living thing in nature requires the light of the sun; it is not for nothing that, as a form of punishment and torture, a person is deprived of daylight and thrown into dungeons.
Yet what do we see now? All major museums and galleries, especially modern ones, exhibit paintings under artificial light. And this has been done with the silence and participation of those wiseacres—the art historians. Even 150 years ago, museums were built with windows. Today, modern, massive museum buildings have no natural daylight; instead, they utilize artificial (dead) illumination. The paintings are in prison. If this is explained as a concern for the preservation of the works, it is a false delusion. A work of painting accumulates solar energy during its creation, and during its exhibition, it radiates it to the viewer. This is how the cosmic law of energy exchange operates; this is how art impacts the spectator.
Release the paintings from prison! Freedom for Rembrandt, Titian, Van Gogh, and all other artists! Meanwhile, by the way, the offices of the art administrators in these artificially lit museums feature massive windows flooded with sunlight.
At this point, one must stop and catch their breath. Switch to a different, gentler chord. Art must be perceived with a good mood, with a kind soul.
So, you are in a gallery or a museum; you have found a free place to sit down, and a painting is right in front of you. The secret rendezvous has begun! Just like a date with a young woman. You are in no hurry; on the contrary, you try to prolong this meeting.
All of your attention is directed at the canvas.
There are two components to a painting: content and form—that is, the "what" and the "how." The "what" is the content; it is its literary aspect. The "how" is the plasticity, the structure of the work. In figurative art, both components are present (like the libretto and the music in an opera), whereas in abstract art, both components are fused into one (like in a ballet).
With the literary part, everything is simple—everyone can see what the artist drew. All problems begin with the question of "how," and they end there as well.
This is where the active work of the viewer begins. The artist has done their job; now it is your turn to work, dear viewer.
You scan the painting as a whole, then you begin to examine the details; you think about what it means, why it is this way, what this or that is for, you pay attention to the technique, you begin to comprehend the artist's task, their way of thinking and acting—or you fail to comprehend it. You enter into a dialogue with the author, you begin to think, memories awaken within you, associations and deep emotions are born, something brings you joy or grieves you—you are not indifferent. Your psychic energy enters into contact with the psychic energy of the painting, which the author embedded within it. The contact between the author's energy and yours is precisely what creates aesthetic pleasure. The process is two-sided—a waltz, a dance for two.
One must look not only with the eyes! There is another organ of sight—the heart. The heart is the eyes of the soul; meaning, one cannot do without the soul.
"To look with the eyes of the heart, to listen with the ears of the heart, to feel with the soul."
Dear viewer! Time spent in communion with a painting is the most bountiful time for the development of your intellect and your spiritual advancement. Art will repay you a hundredfold. And the reward for your labor will be a feeling of joy, born of aesthetic pleasure.
Note: The author notes that these musings express his strictly personal opinion and are not directed against anyone, but are written solely with a single purpose—to serve the good and contribute to the improvement of the cause of Culture, and therefore cannot serve as a ground for any kind of offense or persecution.
Joseph Kapelyan
Netanya, during the quarantine period, the year 2020
Смотри в оба
Как смотреть картины?
Что смотреть? Где смотреть? Можно смотреть и ничего не видеть.
Наши глаза считаются органами зрения. Лучше, когда задействован один орган чувств, чтобы другие были заглушены. Например, слушать музыку лучше с закрытыми глазами, чтобы ничего не отвлекало зрительно — ни свет, ни ужимки дирижёра или самого солиста-исполнителя. Ничто так не мешает слушать музыку, как шум и свет. Смотреть мешает шум.
Смотреть картины можно в двух видах: в оригинале или в репродукции. Разговаривать с человеком можно лично, один на один, или по телефону, а теперь и по компьютеру. То же самое и в отношении искусства: или напрямую, или опосредованно.
В музее, галерее, на выставке вы видите оригинал, а в книге, по телевизору или в смартфоне — только репродукцию. Во-первых, всякая репродукция — это уменьшенное изображение (как если бы великана вы видели как лилипута), а во-вторых, самая лучшая репродукция не даёт истинного цветоотображения. Через репродукцию мы получаем только сведения о работе, но не можем получить чувственное наслаждение и радость, так называемое эстетическое удовлетворение. Конечно, если речь идёт о настоящем произведении искусства, а не о суррогате, т. е. подделке. А вот отличить одно от другого — сам чёрт ногу сломает (не приведи Господи вспоминать его на ночь), нужно быть, как говорят, семь пядей во лбу.
И вот вы в музее.
Я много раз наблюдал, как люди чаще всего смотрят картины: они переходят от картины к картине, читают этикетку, бросают взгляд на картину — и двигаются дальше. Смотрят мимоходом. Вот и получается: мимо. Это как если бы в библиотеке двигаться вдоль полок с книгами и читать названия на корешках.
Смотреть картины лучше сидя, чем стоя. Любую более-менее серьёзную работу мы ведь делаем сидя, а не стоя. А вот так, толпой, перебежками от картины к картине, на ходу, стоя — дело несерьёзное.
Между прочим, это дело серьёзнее, чем кажется на первый взгляд. Любую более-менее серьёзную работу мы ведь делаем сидя, а не стоя. На концертах, на лекциях, даже на стадионах мы сидим, едим сидя, читаем сидя. Так почему же с искусством поступают так? Оно что, не заслуживает большего внимания и времени? Всё на ходу да на бегу, задуматься бы об этом. Может, поэтому «недоедаем» по эстетическому воспитанию, жалко времени на это?
Эстетическое наслаждение — это один из видов нашей духовной пищи.
Нам, людям, для дыхания нужен воздух, мы не можем жить без него более трёх минут. Нам нужна еда, без неё мы не проживём и месяца. А вот без впечатлений наш мозг не может обойтись и минуты. Мы беспрерывно получаем различные впечатления и возбуждения. Мы нуждаемся в беспрерывной пище для ума и души. Искусство — самая качественная пища из всех, это энергия духовная. Вот мы и дошли до этого понятия — энергия.
Когда художник создаёт своё произведение — он вкладывает в картину свою психическую (духовную) энергию, а смотрящий на картину может эту энергию получить. Но для этого нужен контакт. У вас не загорится настольная лампа, если вы не включили штепсель в розетку. Весь мир устроен на созидании и потреблении энергий. Всякая энергия, в том числе и психическая, может быть направлена на созидание или разрушение. Поэтому и искусство может созидать, но может и разрушать. Это особая и важная тема — моральная ответственность художника за свои произведения.
Теперь я хочу рассказать о величайшем преступлении, которое совершено в отношении мировой живописи: изобразительное искусство загнано в тюрьму, где нет дневного света. Дневой свет — важнейшее условие для работы живописца. Как важно, чтобы в мастерской был дневной свет! Все великие произведения созданы при дневном (солнечном) освещении, когда ещё не было искусственного электрического света.
Дневной свет от солнца — это созидающая энергия, вся жизнь на Земле зависит от дневного света. Картина создана при солнечном свете, свет вошёл внутрь неё, и чтобы продолжать жить, картина должна продолжать контактировать с дневным светом, ей нужен свет как нам воздух.
Для всего живого в природе необходим свет солнца, недаром в качестве наказания и истязания лишают человека дневного света и сажают в подземелья.
Но что мы видим сейчас? Все крупные музеи и галереи, особенно современные, экспонируют картины при искусственном свете. И это сделано при молчании и участии умников — искусствоведов. Ещё 150 лет назад музеи строили с окнами. А сейчас современные огромные здания-музеи не имеют естественного дневного света, а пользуются искусственным (мёртвым) освещением. Картины в тюрьме. Если это объясняют заботой о сохранности произведений — то это ложное заблуждение. Произведение живописи при его создании аккумулирует солнечную энергию, а при экспонировании выдаёт её зрителю — так действует космический закон обмена энергиями, так воздействует искусство на зрителя.
Выпустите картины из тюрьмы! Свободу Рембрандту, Тициану, Ван Гогу и всем другим художникам! А между прочим, в кабинетах начальников от искусства в музеях с искусственным освещением — огромные окна с солнечным светом.
Тут надо остановиться и передохнуть. Перейти на другой лад, на добрый. Воспринимать искусство нужно с хорошим настроением, с доброй душой.
Вот вы в галерее или в музее, нашли свободное место, сели, напротив вас — картина. Тайное свидание началось! Как на свидании с девушкой. Вы никуда не торопитесь, наоборот, стараетесь продлить это свидание.
Всё ваше внимание направлено на картину.
В картине есть две составляющие: содержание и форма, то есть «что» и «как». «Что» — это содержание, это её литературная часть, а «как» — это пластика, структура произведения. В фигуративном искусстве в наличии обе составляющие (как в опере — либретто и музыка), а в абстрактном обе составляющие слиты в одном (как в балете).
С литературной частью всё просто — каждый видит, что нарисовал художник. Все проблемы начинаются с вопроса «как», да этим и заканчиваются.
Тут и начинается активная работа зрителя. Художник сделал свою работу, теперь твоя очередь поработать, дорогой зритель.
Вы оглядываете картину всю, потом начинаете рассматривать детали; думаете, что это значит, почему это так, для чего это или то, обращаете внимание на технику, начинаете понимать задачу художника, его образ мыслей и действий — или не понимать. Вы вступаете в диалог с автором, начинаете думать, в вас пробуждаются воспоминания, рождаются ассоциации, переживания, вас что-то радует или огорчает, вы неравнодушны. Ваша психическая энергия вступает в контакт с психической энергией картины, которую в неё заложил автор. Контакт энергии автора и вашей и создаёт эстетическое наслаждение. Процесс двусторонний, вальс — танец для двоих.
Смотреть нужно не только глазами! Есть ещё один орган зрения — сердце. Сердце — это глаза души, значит, без души не обойтись.
«Смотреть глазами сердца, слушать ушами сердца, чувствовать душой».
Дорогой зритель! Время, проведённое в общении с картиной — самое благодатное время для развития вашего интеллекта и духовного продвижения. Искусство воздаст вам сторицей. А наградой за труд будет чувство радости, рождённое эстетическим наслаждением.
Примечание: Автор отмечает, что данные заметки выражают его сугубо личное мнение и не направлены ни против кого, а написаны только с единственной целью — служить благу и способствовать улучшению дела Культуры, а посему не могут являться основанием для любого вида обид или преследования.
Иосиф Капелян
Нетания, время карантина, 2020 год
